THE FIVE SOULS OF SCULPTURE III

“Sculpture, like all art, is a means for discovering the world and understanding its secrets”

(Olivier Delahaye, Le Ventre lisse, 2005)

How many declinations does art know? Among all possible nuances employed by an artist in order to shape his vision of the world, we have tried to analyse the ways by which the perceptions of the five sculptors unfold.

Five artists: by no means a random number. It is a highly symbolic and evocative number which, since ancient times, is associated with experimenting, with the concrete knowledge of facts, with transformation, with the “changing aspects” of a situation.

The ancient Greeks associated this number with Hermes, the messenger of the Gods, the connection between sky and earth. Five are also the human senses which serve as a compass to the human being through his life: from an emotional, mental and physical point of view to an ever-changing condition.

Number five is the symbol for a polymorphic mind, which is constantly devoted to intelligence and curiosity and has the tendency to reach extreme limits and transgressive boundaries, sometimes in dangerous ways.

Number five is associated with the fifth letter of the Hebrew alphabet: “Hey” (ה) which means intuition and illumination. The Kabbalists identify three stages in the letter “Hey”, based on three different, subsequent levels, regarding the development of human awareness throughout one’s life.

The mystery of birth and the complete unawareness in which the human being is “flung” into this world, are overcome by the enthusiastic discovery of the beauty and richness existing in the world around us. We thus succeed in understanding that mysterious power within our lives which drives us beyond existing reality.

We should not forget that this number withholds the power of self-expression. In fact, the physical components corresponding to our ability to speak are exactly five: tongue, teeth, palate, lips and throat. Indeed, the complex interaction between the intellect and word is precisely what allows the number five to indicate the usage of every kind of inner and external discipline in order to shift our personality from a state of uneasiness and a search for an “aliquid” to a desired condition. Only by mastering communication, the formulation of ideas and feelings together with the expression of facts, can a balanced exchange and personal development be achieved.

Such intense symbology is to be found in the various forms of the works presented by these five sculptors. Harmony and contrast, research and sublimation merge in their works.

Sculpture represents the concrete attempt to shape the world around us and, at the same time, to infuse it with perceptions, which impress the human soul in the most powerful way. By offering their personal interpretation and their acute analysis of their own senses, each of the five artists is transformed into a “privileged medium”.


THE  FIVE  SOULS OF SCULPTURE – III° EDITION

THE ARTISTS

Risultati immagini per alexandra slava sevostianovaAlexandra Slava Sevostianova, is the youngest of the artists selected for this third edition. Hers is a career of promising success: at the age of only twenty, She has already achieved important acknowledgements among which that of the Art Renewal Center and her works have already been on display in private collections in Ukraine, Malta, France and Italy.

She will exhibit four works at The Five Souls of Culture in which, in accordance with anatomical rigour, reflecting a classical perfection, the artist’s strong sensitivity is based, and who knows how to look beyond the circumstances by gliding on the wings of her own emotions.

Her sculptures manifest themselves by the struggle in which the artist engages in favour of beauty and truth countering the triviality of everyday life. Precisely this desire to free herself from shameful daily things in the name of a greater ideal is the primary inspiration of “Call for Angels” a sculpture which is a programmatic manifestation of the emotions which thrust the artist towards the creative act.

“My Ukraine” is a tribute to her native country, held tight in the in the coils of serpents which have not managed to bend its strength and which is ready to resurrect even more beautiful than before. “The Unbearable Lightness” expresses all the unsustainable irresponsibility in many amorous relationships, experienced in the ups and downs of daily life, but does not want abandon the desire to sublime oneself in an eternal and incorruptible feeling. “Take My Pain Away” is a self-portrait in which the artist does not hesitate to expose herself to the spectator, in all its own inner fragility.

 

Risultati immagini per cecilia martin birsa

Cecilia Martin Birsa says she cannot live with art – “without it I could only survive”.

It is precisely this unrenounceable urgency, such as breathing, which             emerges in her sculptures. They are realized with an unusual medium which surprises us for its simplicity and its form that the sculptress manages with  great effort  to create: The stone of rivers with all its atavic unpredictability which “speaks of magma, abysses, ice and earth”.

Medium such as mucronite, granite or serpentine require a real act of maieutics in order to free those forms which await in a state of drowsiness, which endured hundreds, perhaps thousands of years to reawaken.

Cecilia Martin Birsa will propose three of her works at The Five Souls of Sculpture which were hailed as a great success on the occasion of her latest personal exhibition in Venice at the Rosenberg Gallery, which coincided with the 5Th. centenary of the Venetian Jewish Ghetto: “Arcuata”, “Donna allo Specchio” and “Nodo Nero”.

 In these sculptures, the artist manages to liberate from stone forms of atavic sensuality of her own female universe, which reveals itself to be solidly bound to that arcane and inexhaustible mystery that is life and which is reached through everything that revolves around it.

 


 

teresa conditoHer artistic development may be witnessed in her creation of sculptural volumes in a more  efficient and expressive communicative form.

The works on exhibit at The Five Souls of Sculpture eloquently express a phase of strong artistic inspiration from whose emotions new creative solutions emerge. Thus works             like “Black and White”, “Thrill” and “Metamorphosis” are born.

They are small sculptures formed in plexiglass in which the transparency of the material integrates with desired abstract forms and colours which contrast with each other, as it is possible to admire the two faces of the sculpture in an emotional short circuit which reflects the artist’s strong artistic emotionality as well as the continuous state of metamorphosis in which she exerts her own sensitivity by means of the creative process.


Risultati immagini per roberto piaia

Roberto Piaia has always represented the female soul  infusing in his pictorial and sculptural works The teachings of strongly innovative techniques by the ancient masters, fruit of his studies and constant experimentation, which make him an authentic pioneer.

Mr Piaia, creator of the Assurfivo pictorial technique, officially entered the Aristocracy of Italy’s finest artists in 2009, having been awarded the AIC (High Critical Interest) classification by the Modern Art Catalogue Critical Committee which is edited by Mondadori.

He exhibited at the 54th. Biennale of Venice – Italian pavilion in 2011 and officially presented his first Carrara marble statue “Iris” together with an oil painting entitled “Darya in Cladico”.

His research has brought about a re-elaboration in the sculptural sector of an artistic Ideology in which the classical unites with dynamicity.  His sculptures therefore represent, at the same time, both pictorial and sculptural elements.

His sculptural creations are realized by employing statutory marble or a bronze fusion. While maintaining the female figure as the subject of his inspiration, the body mass is composed of a double propeller which rotates around itself, thus creating a spiral.

Mr. Piaia will present at the Five Souls of Sculpture his works “Mudra” and “Oltre in Bronzo” one in bronze and the other in an alloy of bronze and steel, the result of personal studies and experimentations. In “Mudra”, Mr Piaia transposes on the sculptural level his own Assurfivo concepts which fuse inseparably representations which we only discover are apparently incompatible: the figurative realism of face and hands separate themselves from the classical academic composure into the spiraling volume of the body,  in which the forms recall typically surrealistic concepts dominated by mystery and fantasy.

In “Oltre in Bronzo” the concept of lightness and material decomposition are underlined by the transposition of the female body into a double propeller in which the execution borders on the utopia in “a Machiavellic study of solids and voids”

 

Risultati immagini per pablo atchugarry

Pablo Atchugarry divides his time between Uruguay, his native country, and Italy where he has been living since 1978. Since the beginning of his career he has dedicated his artistic sculptural research by expressing his own poetic talent by means of various materials: he first worked with cement, wood and metals until he later used Carrara statuary marble with which he has created his famous monumental sculptures.

Once he moved to Lecco (Italy) in 1978, he began experimenting and creating monumental sculptures in Carrara marble. His first tribute could not be other than to Michelangelo Buonarroti with two works: “La Lumiere” and “La Pietate”.

He, already an artistic icon in Uruguay,created the sculpted group “Soñando la Paz” on  the occasion of the 50th Exhibition La Biennale in Venice.

 In 2015 he presented 40 of his works at a personal “Pablo Atchugarry – Città Eterna, Eterni Marmi” exhibition at the Fori Imperiali Museum in Rome. He also created a sculpture engraved in olive wood, which was more than 800 years old, for the Uruguayan pavilion at Expo 2015, entitled “La vida después de la vida”.

On the occasion of The Five Souls of Sculpture exhibition, he will present his latest creation “Senza Titolo” in Carrara statuary marble.

Pablo Atchugarry’s chisel touch transforms marble in such a way that it seems to open up into candid folds, which change and are at the same time crystallized, thus indicating the apparent slow passage of Art, so typical of immortal creations.  Essential and pure forms are the language of this work which, void of a title decided by the artist, leaves the spectator free to interpret it within a range between signifier and signified.

 

2016 - Statuary Carrara marble h 60.5x30x22 cm Untitled.jpg

Untitled, Statuary Carrara marble, h 60.5x30x22 cm, 2016

 

 

 

 

 

 

 

 

Le Cinque Anime della Scultura. IIIa Edizione – concept curatoriale e presentazione degli artisti

«La scultura, come tutte le arti, è una via regia per conoscere il mondo e svelarne i segreti.”

Olivier Delahaye, Le Ventre lisse, 2005

Tablinum: quante declinazioni può conoscere l’arte? Tra le infinite sfumature con cui l’artista plasma la propria visione del mondo abbiamo cercato d’indagare le vie per cui si snodano le suggestioni di cinque scultori.

Cinque. Un numero non certo casuale. Un numero simbolicamente evocativo che fin dai tempi antichi è  associato all’atto di sperimentare, alla conoscenza concreta dei fatti, del cambiamento, del “mutamento di stato” di una situazione.

Gli antichi greci lo riconducevano a Hermes, messaggero degli dei, tramite tra cielo e terra. Cinque sono anche i sensi che fanno da bussola per l’essere umano nella sua esistenza: da un punto di vista emotivo, mentale e fisico, ad una condizione sempre nuova.

Il numero cinque è simbolo di una mente polimorfa,  costantemente  votata all’intelligenza e alla curiosità, porta con sé la tendenza ad avvicinarsi, a volte anche in modo pericoloso, a linee di confine, di trasgressione.

Il Numero Cinque è legato alla quinta lettera dell’alfabeto ebraico : Hey ( ה ), che significa intuizione, illuminazione. I cabalisti, individuano tre stadi per la lettera Hey, i quali si pongono su tre livelli diversi, successivi, in merito allo sviluppo della consapevolezza dell’essere umano nell’arco di tutta la propria esistenza.

Il mistero della nascita, la totale inconsapevolezza con cui l’essere umano è “gettato” in questo mondo, viene qui superata dall’entusiasmo nello scoprire quanto di bello e fertile è presente nel mondo che lo circonda. Arriviamo, qui, a intuire quella misteriosa potenza all’interno della nostra esistenza che ci sospinge al di là della contingenza.

Ma non dimentichiamo che questo numero conserva in sé  la  forza  dell’autoespressione. E Infatti, le componenti fisiche corrispondenti alla capacità di parlare, sono esattamente cinque: lingua, denti, palato, labbra e gola.

hans makart i cinque sensi.jpgProprio per la complessa interazione tra intelletto e parola, il cinque suggerisce di utilizzare ogni tipo di disciplina interiore ed esteriore, al fine di “traghettare” la nostra personalità, da uno stato di disagio, di ricerca di un aliquid, allo stato desiderato. Solo governando bene la comunicazione, l’espressione di idee, sentimenti e fatti, è possibile giungere a uno scambio equilibrato e quindi crescere.

Una simbologia tanto intensa che trova le sue diverse impressioni nelle opere di questi cinque scultori. Armonia e contrasto, ricerca e sublimazione si fondono nelle loro opere.

La scultura riunisce in sé il concreto tentativo di plasmare il mondo che ci circonda e allo stesso tempo di infondere ad esso le suggestioni che s’imprimono con maggiore forza nell’animo umano. Un’interpretazione di cui l’artista si trasforma in un medium privilegiato.

La terza edizione de Le cinque anime della scultura, presso officinacento5 si rivela un tentativo di plasmare il mondo che ci circonda grazie a un’ acuta analisi dei propri sensi e una declinazione fatta di suggestioni che si concretizza in cinque diverse anime d’artista.


LE CINQUE ANIME DELLA TERZA EDIZIONE

Risultati immagini per alexandra slava sevostianova

 Alexandra Slava Sevostianova,  artista dalle origini ucraine, è anagraficamente la più giovane tra gli artisti selezionati per questa terza edizione.

La sua è una carriera di promettenti successi: a soli vent’anni, Alexandra Slava Sevostianova ha già riscosso importanti riconoscimenti tra cui quello di The Art Renewal Center e le sue opere sono già parte di importanti collezioni private in Ucraina, Malta, Francia e in Italia.

In occasione delle Cinque Anime della Scultura, esporrà quattro opere, plasmate in argilla, in cui al rigore anatomico, riecheggiante una classica perfezione, si fonde la forte sensibilità di un’artista che sa guardare oltre la contingenza librandosi sulle ali delle proprie emozioni.

Le sue sculture si fanno manifesto della lotta che lo scultore ingaggia in favore di bellezza e verità contro la trivialità della vita di tutti giorni. Proprio la volontà di librarsi al di sopra delle brutture della quotidianità in nome di un più alto ideale è l’ispirazione primaria di “Call for Angels” una scultura che si fa manifesto programmatico delle emozioni che spingono l’artista all’atto creativo.

“My Ukraine” è un tributo alla propria patria d’origine stretta nelle spire di serpenti che non sono riusciti a piegarne la forza e pronta a risorgere più bella che mai.  “The Unbearable Lightness” esprime tutta l’insostenibile leggerezza di un rapporto amoroso come tanti, vissuto fra gli alti e i bassi della quotidianità, ma che non abbandona la propria aspirazione a sublimarsi in un sentimento eterno e incorruttibile. “Take My Pain Away”  è un autoritratto in cui l’artista non esita ad esporsi all’occhio dello spettatore in tutta la propria fragilità interiore.


Risultati immagini per cecilia martin birsaCecilia Martin Birsa dichiara di non poter vivere che d’Arte: “senza potrei solo sopravvivere”.

Ed è proprio questa urgenza irrinunciabile, quanto il respirare, che emerge nelle sue sculture. Esse sono realizzate con un medium inusuale che ci stupisce per la sua semplicità e per le forme che la scultrice riesce, non senza fatica, a liberare da esso: la pietra di fiume con tutta la sua atavica imprevedibilità che “parla di magma, abissi, ghiaccio e terra”.

Medium come la mucronite, il granito o il serpentino richiedono un vero e proprio atto di maieutica per liberare quelle forme che attendono in un dormiveglia, durato secoli, forse anche millenni, di essere risvegliate.

In occasione de Le Cinque Anime della Scultura, Cecilia Martin Birsa riproporrà tre opere accolte con grande successo in occasione della sua ultima personale a Venezia presso la Galleria Melori&Rosenberg in concomitanza del cinquecentenario del Ghetto Ebraico di Venezia: “Arcuata”, “Donna allo Specchio” e “Nodo Nero”.

In queste sculture, l’artista libera dalla pietra forme dalla sensualità atavica propria dell’universo femminile che si rivela saldamente legato a quel mistero arcano e inesauribile che è la vita e che giunge attraverso tutto ciò che ruota attorno a esso.


teresa conditoTeresa Condito è stata membro del Collettivo la Grand Bouffe presso la 56° Biennale di Venezia, dove ha ricevuto il premio ufficiale dallo stato del Guatemala e dal Commissario del Padiglione Nazionale. Torna ad esporre con Tablinum a seguito di Ars Naturans, svoltasi in agosto presso il Museo Giardino Botanico di Villa Carlotta.

Il suo sviluppo artistico vede nella creazione di volumi scultorei la sua forma comunicativa più efficace ed espressiva. I materiali prescelti spaziano  dal marmo al corten passando per l’alluminio, l’acciaio, il plexiglass e le pietre preziose.

Le opere esposte in occasione de Le Cinque Anime della Scultura esprimono eloquentemente una fase di forte ispirazione artistica in cui le emozioni fanno scaturire nuove soluzioni creative. Nascono così opere come “Black and White”, “Thrill” e “Metamorphosis”.

Si tratta di sculture in plexiglass di piccolo formato in cui alla trasparenza di questo materiale si legano  forme volutamente astratte e colori contrastanti fra loro, così come le due facce da cui è possibile ammirare la scultura in un corto circuito emozionale che restituisce la forte emotività dell’artista e lo stato di continua metamorfosi in cui esercita la propria particolare sensibilità mediante il processo creativo.


Risultati immagini per roberto piaiaRoberto Piaia ha da sempre rappresentato l’animo femminile fondendo nelle sue opere, pittoriche e scultoree, l’insegnamento degli antichi maestri a tecniche fortemente innovative, frutto di studio e sperimentazione costanti che lo rendono un vero e proprio pioniere.

Ideatore della tecnica pittorica dell’Assurfivo, Piaia nel 2009  entra ufficialmente nel Gotha dei migliori pittori d’Italia, avendo ricevuto dal Comitato Critico del Catalogo d’Arte Moderna, edito da Mondadori, la classificazione di AIC, cioè Alto Interesse Critico. Nel 2011 espone alla 54 Biennale di Venezia padiglione Italia e presenta ufficialmente la sua prima  statua di marmo di Carrara “Iris” e un dipinto  a olio dal titolo “Darya in Cladico”.

In ambito scultoreo la sua ricerca lo ha portato a rielaborare un’ ideologia artistica  in cui il classico si congiunge alla dinamicità. Per questo le sue sculture si fanno fusione di valori al contempo pittorici e scultorei.

Le sue creazioni scultoree sono realizzate utilizzando il marmo statuario o la fusione di bronzo. In esse pur mantenendo come soggetto d’ispirazione la figura femminile, i volumi del corpo sono costituiti da una doppia elica che si avvita su se stessa creando una spirale.

Piaia presenterà durante Le Cinque Anime della Scultura  “Mudra” e “Oltre in Bronzo” realizzate una in bronzo, l’altra con una particolare lega in bronzo e acciaio frutto di studi e sperimentazioni personali. In Mudra, Piaia traspone sul piano scultoreo i concetti propri dell’Assurfivo che fondono inscindibilmente rappresentazioni che scopriamo solo in apparenza inconciliabili:  il realismo figurativo di volto e mani astrae la propria compostezza dal sapore accademico nel volume spiraleggiante del corpo, dove le forme richiamano concetti tipicamente surrealisti dominati dall’arcano e dalla fantasia.

In “Oltre in Bronzo” il concetto di leggerezza e scomposizione materica è richiamato dalla scomposizione del corpo femminile in una doppia elica in cui l’esecuzione rasenta l’utopia in “uno studio machiavellico di pieni e vuoti”.


Risultati immagini per pablo atchugarryPablo Atchugarry si divide fra l’Uruguay, sua patria d’origine, e l’Italia, a Lecco, dove vive dal 1978.

Sin dagli albori della propria carriera ha dedicato la propria ricerca artistica alla scultura esprimendo attraverso vari materiali la propria poetica, componendo con cemento, legno e metalli fino ad approdare al marmo statuario di carrara con il quale ha realizzato le sue celebri sculture monumentali.

Giunto in Italia, a Lecco, nel 1978, ha intrapreso la sperimentazione e la creazione di sculture monumentali in marmo di carrara. Il suo primo tributo non può che essere a Michelangelo Buonarroti con due opere “ La lumiere” e “ la Pietate”.

Diventato ormai un’ icona artistica dell’ Uruguay, ha realizzato in occasione della 50ª Biennale di Venezia il gruppo scultoreo “Soñando la Paz”.

Nel 2015 ha esposto 40 delle sue opere in una personale a Roma presso il Museo dei Fori Imperiali “Pablo Atchugarry. Città Eterna, eterni marmi”  e ha realizzato per il padiglione Uruguaiano della Expo 2015 una scultura intagliata nel legno di un ulivo vecchio più di 800 anni, intitolata “La vida después de la vida” 

L’artista presenterà in occasione de Le Cinque Anime della Scultura la sua ultima creazione, “Senza Titolo”, da poco terminata, in marmo statuario di Carrara.

Il marmo sembra schiudersi al tocco dello scalpello di Pablo  Atchugarry in candide pieghe che mutano e al contempo si cristallizzano scandendo il tempo dell’Arte che scorre con l’apparente lentezza delle creazioni immortali. Essenzialità e purezza delle forme sono il linguaggio di quest’opera che ci si presenta senza un titolo stabilito dall’artista e lascia libera l’interpretazione dello spettatore di spaziare fra significante e significato.

 

 

Displaying 2016 - Statuary Carrara marble h 60.5x30x22 cm Untitled.jpg

Senza Titolo, marmo statuario di Carrara, 60,5 x 30×22 cm, 2016

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Comunicato Stampa Le Cinque Anime della Scultura. IIIa Edizione

scultura_3_invito_mail-02Tablinum Cultural Management torna a indagare le declinazioni dell’arte attraverso “Le Cinque Anime della Scultura”. Dal 8 ottobre 2016 al 21 ottobre 2016 presso lo spazio comasco di officinacento5, in Como, si terrà la terza edizione delle Cinque Anime della Scultura. L’Inaugurazione della mostra si terrà sabato 8 ottobre 2016 dalle ore 19.30 presso lo spazio comasco di officinacento5 (Viale Lecco 105 Como)

Nei giorni successivi sarà osservato il seguente orario di visita: Mar – Ven 14.00 – 18.00 Sab – Dom : 10.30 – 12.00 – 14.00 – 18.00 L’ingresso è libero a tutti gli eventi in programma.

Il concetto curatoriale da cui scaturisce tale rassegna è legato alla simbologia artistico – estetica del numero cinque: simbolo di una mente polimorfa, in costante mutamento, che ci spinge ad utilizzare ogni nostra competenza esteriore e interiore per raggiungere un’ aliquid. Una simbologia intensa che permea tutto il percorso espositivo: armonia e contrasto, ricerca e sublimazione si fondono in questo percorso espositivo ed emozionale che si concretizza in cinque diverse anime d’artista. La scultura riunisce in sé il concreto tentativo di plasmare il mondo che ci circonda e allo stesso tempo di infondere a esso le suggestioni che s’imprimono con maggiore forza nell’animo umano. Un’interpretazione di cui l’artista si trasforma in un medium privilegiato. Per questo ci siamo riproposti di riunire cinque scultori e cinque modi diversi di tradurre nel linguaggio estetico il mondo che ci circonda attraverso un’acuta analisi dei propri sensi e una declinazione fatta di suggestioni che si concretizzino nelle opere realizzate da cinque diverse anime d’artista. In questa terza edizione, a dare voce alle cinque anime della scultura saranno cinque scultori internazionali selezionati da Tablinum per l’eccellenza dell’esecuzione e per la peculiarità delle tecniche e dei materiali utilizzati ma anche per il diverso dialogo che le loro opere sanno innescare con lo spettatore.

Alexandra Slava Sevostianova, è anagraficamente la più giovane tra gli artisti selezionati per questa terza edizione. La sua è una carriera di promettenti successi: a soli vent’anni, Alexandra Slava Sevostianova ha già riscosso importanti riconoscimenti tra cui quello di The Art Renewal Center e le sue opere sono già parte di importanti collezioni private in Ucraina, Malta, Francia e in Italia.

Roberto Piaia ha da sempre rappresentato l’animo femminile fondendo nelle sue opere, pittoriche e scultoree, l’insegnamento degli antichi maestri a tecniche fortemente innovative, frutto di studio e sperimentazione costanti che lo rendono un vero e proprio pioniere. Piaia presenterà alle Cinque Anime della Scultura le sue opere “Mudra” e “Oltre in Bronzo” realizzate una in bronzo, l’altra con una particolare lega in bronzo e acciaio frutto di studi e sperimentazioni personali, entrambe espressione della corrente artistica dell’Assurfivo di cui è fondatore.

Teresa Condito è stata membro del Collettivo la Grand Bouffe presso la 56° Biennale di Venezia, dove ha ricevuto il premio ufficiale dallo stato del Guatemala e dal Commissario del Padiglione Nazionale, torna a esporre con Tablinum a seguito di Ars Naturans, svoltasi in agosto presso il Museo Giardino Botanico di Villa Carlotta. Le opere esposte in occasione de Le Cinque Anime della Scultura esprimono eloquentemente una fase di forte ispirazione artistica in cui le emozioni fanno scaturire nuove soluzioni creative. Nascono così opere come “Black and White”, “Thrill” e “Metamorphosis”. Cecilia Martin Birsa In occasione de Le Cinque Anime della Scultura, riproporrà tre opere accolte con grande successo alla sua ultima personale a Venezia presso la Galleria Rosenberg in concomitanza del cinquecentenario del Ghetto ebraico di Venezia: “Arcuata”, “Donna allo Specchio” e “Nodo Nero”; sculture in cui l’artista libera dalla pietra forme dalla sensualità atavica propria dell’universo femminile.

Pablo Atchugarry si divide fra l’Uruguay, sua patria d’origine, e l’Italia, dove vive dal 1978. Sin dagli albori della propria carriera ha dedicato la propria ricerca artistica alla scultura esprimendo attraverso vari materiali la propria poetica, Nel 2015 ha esposto 40 delle sue opere in una personale a Roma presso il Museo dei Fori Imperiali “Pablo Atchugarry. Città Eterna, eterni marmi” e ha realizzato per il padiglione Uruguaiano della Expo 2015, una scultura intagliata nel legno di un ulivo vecchio più di 800 anni intitotala “La vida después de la vida”. L’artista presenterà in occasione de Le Cinque Anime della Scultura la sua ultima creazione, “Senza Titolo”, da poco terminata, in marmo statuario di Carrara.

THE 2nd EDITION OF THE FIVE SOULS OF THE SCULPTURE

Tablinum: the Five souls of the sculpture is the last appointment of Art in Expo. Feed the World with Art.

Having reached an amount of 30,000 visitors during the whole period of Art in Expo, feed the world with art is a great token of appreciation for Tablinum and its partners.

Five is indeed a special issue: is the number of five senses that we use to interpreting the world; a  number that symbolizes a polymorphic mind, constantly mutating, which encourages us to use all our outward and inwar strengths in order to reach something else.

That number convey a strong symbolism that permeates the whole exhibition: harmony and contrast, research and sublimation come together in this visual and emotional route which is realized in five different souls of artists.

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JEAN PHILIPPE VATTIER: A SENSORIAL CHOICE

Jean-Philippe Vattier was born in Rouen in 1962. The stone sculpture has always been at the center of his life and his work. After laure in gioiellieria at the Ecole du Louvre in Paris, she opened a shop in Rouen, where he sells jewelry, all unique, of its creation, and handmade.

The need to create not new: as a child carved in stone, carved wood and work with clay.

During the work of professional jeweler, Jean-Philippe Vattier remains tied to his art: the best way to give shape and meaning to the world.

Six years ago, Jean-Philippe Vattier chose to move from small stones to larger models, in order to devote himself exclusively to sculpture.

Jean-Philippe Vattier exposed – sculptures made of clay and stone – in the Carmelite chapel in Bois-Guillaume (76) in December 2005. Since then he has participated in several exhibitions in Guangzhou (China) in December 2008 and twice in the Carrousel du Louvre in Paris in 2009.

The choice of material to be sculpted is done in the same place where he remove the stone: Carrara marble, soapstone from China, but also stones from Brazil, India or elsewhere.

The selection criteria are not only the color and the grain of the stone, but also the artist’s perception of the deeper meaning of matter and its future potential.


JEAN PAUL LAGARRIGUE: DIRECT CARVING

Jean Paul Lagarrigue from 2010 to 2012 he made during a workshop, seven studies with other sculptors. From 2012 to 2015 he has created several sculptures in his studio at his studio.
Throughout the years he collected 14 participation in international fairs and exhibitions.

The artist creates without sketches or preliminary models directly on the stone.

The process of creation is done in two stages:

The choice of subject of the sculpture depend from the choice of the stone and its overall characteristics: shape, color, hardness.

Then, during the work of sculpture, the design is refined, guided, directed by internal features (faults, inclusions) Stone who discover in every stroke of the sculptor. C e work is challenging because the material is removed whenever a risk-taking (breakage, accidents material doubt on the form), however necessary to give rise work.

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LAURENT LAFONTAS: A BODY AND SOUL OF STEEL

Born on April 7th, 1972 Professional sculptor approved the House of the Artists University graduate Jean Jaurès of Toulouse. Teenager, it is with the clay that he discovers a way of expression. Later, during his studies, he develops his artistic experiments by realizing artistic videos and cartoon movies. 5 years ago, he discovers the metal. He begins by representing the strength of the feelings, the drives, the tensions, the agonies of the being … then, he directs his work to more sensualism and realizes essentially feminine busts. At present, he realizes generally his works from assembly of small identical parts. In his last productions, he questions the balance, the unstable, the contrast, the difference, the limit.

For several years Lafontas experiences the creation of sculptures assembled by welding steel. His latest creations are made primarily by female busts that produces mainly using nails and screws. It represents the strength of feelings, tension, sensuality and trubles of human soul. The metal becomes flesh and feeling of his sculptures.

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MIEKE VAN DEN HOOGEN: INNER ASYMMETRIES

In my work, images of women take an important place. In these images, I strive for a combination of naturalistic elements, abstracted forms and emotions. A female body does not interest me as it represents an ideal of beauty, but if it is a representation of a body, a body which is lived, which can be read emotions in the image.

A symmetric body seems to have been built, yet it feels never the same. I want to express by an image asymmetrical building. Because these images are constructed of ceramic, so hollow, the contents should be expressed in the shard.

The image is not an empty vessel, the body is no shell. In this shard I give it inward again, as thin as possible, fragile. In addition to images of women I make ceramic objects. In these objects, I lost my imagination. They are made f or the enjoyment of form. I also make pots, built according to ancient Indian techniques, sometimes with a silkscreen decoration, sometimes reduced fired. By reducing the work undergoes hypoxic changing color: green copper is copper red. The expression and the joy that I have put in the pot, there is hardly a tool. In addition, I also make bowls, vases and plates, which are usually meant to be used.

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CARLO PAZZAGLIA: THE ADRENALINE OF  THE CREATION

I was born in Bologna in January ‘52; I live in the mountains, in Sestola, on the border between Emilia and Tuscany. At 24 I enrolled in the Faculty of Architecture of Venice. I passed all the exams but I never discussed the thesis. I have had many jobs; the last was the stonemason. This was my gym. For some years I do the sculptor.

I work the river stones, iron, wood and lately also the marble, trying to bring to light their life energy. My sculptures tell stories, as were the diaries of the earth. I pursue, as in all my things, simplicity and synthesis. Nowadays it’s not cheap.

Every one of us is inspired from a particular material, either for elective affinities or because he has learned how to work on that; you can experiment with other materials but working with your favorite is like coming back home. When comes the inspiration I feel like a rush of adrenaline and my heart tells me that it is the right one.

During the creative process, you go from happiness to have solved a problem in discontent because what I do not correspond to the vision that I had, to the anger that I feel when demolish even the work of a month or the frenzy for which even forget to eat. I am inspired by the man with his stories and his suffering. I owe much, if not all, Caravaggio, El Greeco, Goya, Giacometti and Brancusi, but I drank from a lot of other sources.

Elisa Larese

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CINQUE ARTISTI INTERNAZIONALI IN MOSTRA A COMO PER LA SECONDA EDIZIONE DE “LE CINQUE ANIME DELLA SCULTURA”

le cinque anime della scultura II edizione social

Tablinum: quante declinazioni può conoscere l’arte? Tra le infinite sfumature con cui l’artista plasma la propria visione del mondo abbiamo cercato d’indagare le vie per cui si snodano le suggestioni di questi cinque scultori.

Cinque. Un numero non certo casuale, simbolicamente evocativo che fin dai tempi antichi è associato all’atto di sperimentare, alla conoscenza concreta dei fatti, del cambiamento, del “mutamento di stato” di una situazione.

Gli antichi greci lo riconducevano a Hermes, messaggero degli dei, tramite tra cielo e terra. Cinque sono anche i sensi che fanno da bussola all’essere umano nel corso della propria esistenza: da un punto di vista emotivo, mentale e fisico, verso una condizione sempre nuova.

Il numero cinque è simbolo di una mente polimorfa, costantemente votata all’intelligenza e alla curiosità, porta con sé la tendenza ad avvicinarsi, a volte anche in modo pericoloso, a linee di confine, di trasgressione.

Il numero cinque è legato alla quinta lettera dell’alfabeto ebraico: Hey ( ה ), che significa intuizione, illuminazione. I cabalisti, individuano tre stadi per la lettera Hey, i quali si pongono su tre livelli diversi, successivi, in merito allo sviluppo della consapevolezza dell’essere umano nell’arco di tutta la propria esistenza.

Il mistero della nascita, la totale inconsapevolezza con cui l’essere umano è “gettato” in questo mondo, viene qui superata dall’entusiasmo nello scoprire quanto di bello e fertile è presente in ciò che lo circonda. Arriviamo, qui, a intuire quella misteriosa potenza all’interno della nostra esistenza che ci sospinge oltre la contingenza, ci proietta in una nuova dimensione di consapevolezza.

Ma non dimentichiamo che questo numero conserva in sé la forza dell’auto-espressione. Infatti, le componenti fisiche corrispondenti alla capacità di parlare, sono esattamente cinque: lingua, denti, palato, labbra e gola.

Proprio per la complessa interazione tra intelletto e parola, il cinque suggerisce di utilizzare ogni tipo di disciplina interiore ed esteriore, al fine di “traghettare” la nostra personalità, da uno stato di disagio, di ricerca di un aliquid, allo stato desiderato. Solo governando bene la comunicazione, l’espressione di idee, sentimenti e fatti, è possibile giungere ad uno scambio equilibrato e crescere.

Una simbologia tanto intensa che trova le sue diverse impressioni nelle opere di questi cinque scultori; Armonia e contrasto, ricerca e sublimazione si fondono nelle loro sculture in un’esposizione che accompagna il visitatore attraverso un percorso visivo – emozionale, in una declinazione fatta di suggestioni che si concretizzano in cinque diverse anime d’artista.

«La scultura, come tutte le arti, è una via regia per

conoscere il mondo e svelarne i segreti.”

Olivier Delahaye, Le Ventre lisse, 2005

JEAN PHILIPPE VATTIER

Jean-Philippe Vattier è nato a Rouen nel 1962. La scultura in pietra è stata sempre al centro della sua vita e la sua opera. Dopo la laure in gioiellieria presso l’Ecole du Louvre di Parigi,  ha aperto un negozio a Rouen, dove vende gioielli, tutti unici, di sua creazione, e fatti a mano.

La necessità di creare non è nuova: già da bambino  scolpito in pietra, legno intagliato e lavorare con l’argilla.

Durante il lavoro di gioielliere professionista, Jean-Philippe Vattier rimane legato alla sua arte: il modo migliore  per dare forma e significato al mondo.

Sei anni fa, Jean-Philippe Vattier scelto di passare dalle piccole pietre a modelli più grandi, al fine di dedicarsi esclusivamente alla scultura.

Jean-Philippe Vattier  ha esposto – sculture fatte in argilla e in pietra – nella cappella del Carmelo a Bois-Guillaume (76) nel dicembre 2005. Da allora ha partecipato a diverse mostre di Guangzhou (Cina) nel dicembre 2008 e due volte nel Carrousel du Louvre a Parigi nel 2009.

UNA SCELTA SENSORIALE

La scelta del materiale da scolpire viene effettuata nello stesso luogo in cui si estrae la pietra: marmo di Carrara, pietra ollare  dalla Cina, ma anche pietre da Brasile, India o altrove.

I criteri di selezione non sono solo il colore o le venature della pietra, ma anche la percezione dell’artista del significato più profondo della materia e il suo potenziale futuro.

JEAN PAUL LAGARRIGUE

Jean Paul Lagarrigue dal  2010 al 2012  ha realizzato  nel corso di un workshop  sette studi scultorei con altri scultori
Dal 2012 al 2015 ha lavorato presso il proprio atelier numerose sculture in autonomia presso il suo studio.

Nel corso degli anni ha raccolto 14 partecipazioni a fiere ed esposizioni internazionali.

CREAZIONE DIRETTA

Attraverso la tecnica del intaglio diretto l’artista crea senza preparazione (schizzi o modelli preliminari) direttamente sulla pietra.

Questo processo di creazione avviene in due fasi.

La scelta del soggetto  della scultura è dettato dalla scelta della pietra e dalle sue caratteristiche generali: forma, colore, durezza.

Poi, durante i lavori di scultura, il disegno è raffinato, guidato, diretto da caratteristiche interne (guasti, inclusioni) di pietra che si rivelano in fase di lavorazione. Si tratta di una tecnica molto difficile che non ammette ripensamenti o errori da parte dell’artista.

LAURENT LAFONTAS

Nato il 7 Aprile, 1972 Scultore professionista ha approvato la Casa degli Artisti Laureato all’Università Jean Jaurès di Tolosa Adolescente, è con la creta che scopre un modo di espressione. Più tardi, durante i suoi studi, egli sviluppa le sue sperimentazioni artistiche realizzando video artistici e film di animazione. 5 anni fa, scopre il metallo. Comincia rappresentando la forza dei sentimenti, le pulsioni, le tensioni, le agonie dell’essere… Poi, dirige la sua opera a più sensualismo e realizza busti essenzialmente femminili. Allo stato attuale, si rende conto in generale le sue opere di assemblaggio di piccole parti uguali. Nelle sue ultime produzioni, mette in dubbio l’equilibrio, l’instabile, il contrasto, la differenza, il limite.

UN CORPO E UN’ANIMA DI ACCIAIO

Da diversi anni Lafontas sperimenta la realizzazioen di sculture  assemblate attraverso al saldatura dell’acciaio. Le sue ultime creazioni sono soprattutto busti femminili  che realizza soprattutto utilizzando chiodi e viti. rappresenta la forza dei sentimenti, le tensioni, la sensualità e i tormenti dell’animo umano.

Il metallo si fa carne e sentimento delle sue sculture.

MIEKE VAN DEN HOOGEN

Ho iniziato nel 1987 con la formazione presso l’Università di Maastricht. Nel maggio del 1991 ho finito questo studio con una mostra presso l’accademia. Dal febbraio 1992, ho aperto un mio studio prima in Elsloo, poi a Nijmegen, dove vivo dal 1997. Attraverso i miei studi presso l’Università di Maastricht, mi sono particolarmente interessato ceramica nelle possibilità espressive del piccolo frammento. Sotto la guida dei miei insegnanti Desiré Tonnaer (Maastricht) e Peter Hermans (Venray) ho studiato questa possibilità, soprattutto nella resa di oggetti monumentali.

ASIMMETRIE INTERIORI

Nel mio lavoro,  spiega l’artista, le immagini femminili predominano. In queste opere mi sforzo di realizzare combinazione di elementi naturalistici, forme ed emozioni astratte. Un corpo femminile non mi interessa quanto rappresenta un ideale di bellezza, ma in quanto rappresentazione di un corpo, di cui si possono indovinare le emozioni che esso ha provato e che ho immortalato nella scultura.

La simmetria è studiatamente decstruita: quello che voglio esprimere con è un asimmetria interiore ed esteriore. Poiché queste immagini sono costruite in ceramica, i contenuti trovano la giusta espressione nel frammento. L’immagine non è solo un vaso vuoto, il corpo non è  semplicemente un involucro. Tra le mie opere ci sono numerosi oggetti in ceramica. In essi l’immaginazione cede il posto al puro e piacere della forma.

Tra i miei lavori ci sono anche degli utensili, realizzati secondo le antiche tecniche indiane, a volte con una decorazione serigrafia, a volte grezze. Nel corso della cottura  ad alte temperature spesso cambiano colore: da verde rame a arancio. L’espressione e la gioia che ho messo nel piatto è puramente creativa ed è questo a differenziarla dalla creazione artigianale di un oggetto quotidiano.

CARLO PAZZAGLIA

Sono nato a Bologna nel gennaio ‘52; vivo in montagna, a Sestola, al confine tra Emilia e Toscana. A 24 anni mi sono iscritto alla Facoltà di Architettura di Venezia. Ho sostenuto tutti gli esami ma non ho mai discusso la tesi. Ho fatto molti lavori; l’ultimo è stato lo scalpellino. Questo è stato la mia palestra. Da alcuni anni faccio lo scultore.

Lavoro i sassi di fiume, il ferro, il legno ed ultimamente anche il marmo, cercando di portare alla luce la loro energia vitale. Le mie sculture raccontano storie, come fossero diari della terra. Perseguo, come in tutte le mie cose, la semplicità e la sintesi. Al giorno d’oggi non è poco.

L’ ADRENALINA DELLA CREAZIONE:

Ognuno di noi è più portato per un dato materiale, vuoi per affinità elettive o perchè ha imparato a lavorare su quello; si potranno sperimentare altri materiali ma lavorare con quello è come tornare a casa.

Quando arriva l’ispirazione avverto come una scarica di adrenalina e il cuore mi dice che è quella giusta.

Nel corso del processo creativo si va dalla contentezza per aver risolto un dato problema allo scontento perchè quello che faccio non corrisponde alla visione che avevo, alla rabbia che mi prende quando demolisco anche il lavoro di un mese o la frenesia che mi fa dimenticare di mangiare.

Mi ispira l’uomo con le sue storie e la sua sofferenza. Devo molto, se non tutto, a Caravaggio, El Greco, Goya, Giacometti e Brancusi, ma ho bevuto a molte altre fonti.

Inaugurazione della mostra alla presenza degli artisti: sabato 10.10.2015 ore 19.30. Ingresso Libero

Elisa Larese

 

Cristian Baroso e Monica Viglietti: quando la scultura si fa “animata”

10659224_10205286280775708_3334679736608617861_nTablinum: nel corso della prima edizione della mostra “le Cinque Anime della Scultura” abbiamo avuto l’onore di collaborare con due artisti che hanno saputo trasporre in arte il mondo animale.

Le loro sculture pulsano di tutta la forza e il fascino dell’ Anima Mundi. Così come le nostre esistenze sono plasmate dal continuo contatto con il mondo che ci circonda, così lo sono le loro opere capaci di trasmettere il ritmo pulsante della natura: veri e propri organismi scultorei plasmati con eccezionale realismo con uno dei materiali più arcaici e affascianati, l’argilla.

Monica Viglietti, cresciuta ad Albissola Marina vive sin dall’infanzia a stretto contatto con il mondo della ceramica grazie al lavoro portato avanti tradizionalmente dalla propria famiglia presso la Bottega Viglietti, fondata nel 1974 dal padre Bruno.

DSCN2844Nella bottega di famiglia apprende diverse tecniche di pittura e decorazione su maiolica specializzandosi su diversi stili figurativi quali: il Bianco e blu (Antica Savona), il Calligrafico, il Levantino, il Mezzaro, il Futurismo. A queste tecniche affianca la sperimentazione di diversi materiali quali Gres, Refrattario, Maiolica, Raku, Terzo Fuoco e Ingobbio)

Cristian Baroso, inizia la sua carriera come autodidatta, approfondisce le proprie tecniche seguendo un approfondito programma di studio della figura in refrattario presso lo studio fiorentino del Maestro Mario Pachioli, intrapreso dal 2011.

Oggi collabora continuativamente con il laboratorio di ceramiche Viglietti ad Albissola Marina e con il Maestro Pachioli a Firenze e Prato, dove risiede e dove ha intrecciato solidi rapporti artistico – culturali.

Compagni d’arte e di vita Monica e Cristian hanno saputo coniugare la tradizione dell’arte della ceramica con l’espressività personale e sensitiva tipica dell’opera d’arte.

10730189_10205289581178216_7101389422689764947_nI nostri visitatori hanno apprezzato in queste opere lo straordinario realismo (in una scultura come Kong di sicuro effetto!) unito all’eccezionale padronanza della tecnica che ben troviamo espresso nelle cangianti sfumature smaltate di ballfish (un vero e proprio inno alla bellezza multiforme del mondo naturale)

In quella che vuol’essere un’intervista a due ci districheremo nella giungla delle ispirazioni che hanno portato alla creazione delle opere che costituiscono il loro mondo.

  • Monica, quale differenza c’è tra il lavoro tradizionale con la maiolica e il tuo impiego nella creazione di forme artistiche?

Il dipinto su maiolica è per me “lavoro” anche se alla fine sempre piacevole. La creazione di pezzi artistici è divertimento puro e senza limiti dove la mente e la fantasia possono spaziare in piena libertà.

  • Cristian, a differenza di Monica, tu hai intrapreso la tua carriera di scultore come autodidatta e poi hai approfondito la conoscenza delle tecniche di lavorazione della maiolica nel laboratorio Viglietti. Pensi che questo differente “iniziazione” al mondo della scultura abbia influito sul tuo approccio con la materia?

Di sicuro il mio approccio all’arte è iniziato fin dalla mia infanzia, sin da quando vedevo mio padre scolpire il legno o realizzare disegni a carboncino. Per me l’arte è stata sempre una valvola di sfogo, una mondo sicuro dove potevo rifugiarmi per staccare la mente anche dai pensieri della vita di tutti i giorni… Il mio incontro con Monica ha cambiato davvero la mia Vita ed ha ridato all’arte il posto che meritava. Il mio approccio con la materia è stato da subito istintivo, le mie mani mi hanno dimostrato una conscenza “sconosiuta” ed “inconscia”…..ed ora sono “affamato” piu’ che mai dei tanti sapori che potro’ percepire nell’esprimere quel che ho dentro…..

  • Siete nel vostro atelier, di fronte a voi un nuovo blocco di argilla. Quali sono le sensazioni che vi trasmette?

Come diceva qualcuno prima di noi “….tutto è già dentro quel blocco….bisogna solo lasciarlo uscire fuori e farlo vivere”. Il blocco come il foglio bianco fa nascere sensazioni, contrastanti, ti provoca, ti parla o tace ed è un misto di sensazioni: paura, calma, confusione, euforia, delusione ed alla fine sempre “sorpesa”.

  • Come nasce una vostra opera? Quali sono le tecniche e i procedimenti che prediligete nella loro realizzazione?

Monica: io continuo a sperimentare, ogni volta che creo un oggetto uso tecniche nuove.

Cristian: Io sono sempre ad occhi ed orecchi spalancati! Quando cammino nella galleria del negozio di mia moglie vedo tutte le realizzazioni lasciate dai tanti artisti che hanno lavorato e collaborato con le Ceramiche Viglietti e sento i racconti di Monica e di suo padre Bruno, tutto questo e’ stimolo a provare quelle tecnice ed a sperimentarne di nuove.

  • Attingendo dalla lavorazione tradizionale, quali innovazioni o varianti tecniche personalizzate applicate?

Come dicevamo, la storia del laboratorio Ceramiche Viglietti ci ha permesso di mettere a punto “ricette segrete” o tecniche realizzative mutuate dall’esperienza di Bruno e di tutti gli artisti che sono passati per Albisola. Mario Pachioli invece è la nostra sorgente di forma e di plasticità…..

  • Cristian, quale apporto ha dato alla tua opere la collaborazione con Mario Pachioli?

Mario è un punto di riferimento fondamentale ed ancora oggi non mi capacito della strana sequenza di eventi che mi ha guidato al “Palazzo dei Pittori” dove Mario crea; forse è stato un viaggio nel tempo che mi ha riportato in una bottega Rinascimentale come se ne leggono solo nei libri d’Arte. Sono grato alla Sorte e credo di essere in debito con Lei e vorrei ancora assorbire come una spugna, rimanendo fedele ai preziosi insegnamenti del ”Maestro”….

  • Le vostre sculture sono realizzate per una committenza mirata oppure sono il frutto delle vostre ispirazioni? Sentite di realizzare le vostre sculture per un determinato segmento di collezionisti?

Monica: in laboratorio mi trovo di fronte ad entrambe le situazioni, spesso sono i committenti a sfidarmi, a volte viaggio libera e esprimo quello che sento.

Cristian: io per ora mi sento completamente libero, quello che creo è solo frutto dei miei setimenti e di quello che mi capita attorno, sono sicuro (o forse spero) che in futuro questa situazione cambierà e ci sarà qualche richiesta specifica a indirizzare il mio lavoro, ma fino ad allora mi godro’ la mia arte.

  • Opere come la vostre sarebbero pronte per delle esposizioni internazionali, ci avete mai pensato?

Si ci pensiamo…..Secondo noi l’arte non puo’ avere limiti geografici e i sentimenti non hanno nazionalità. Ovviamente cio’ che ci frena sono i costi connessi…

  • Come vedete il mondo dell’arte scultorea oggigiorno. L’accantonamento dei metodi tradizionali, secondo voi, sta inficiando negativamente in questo settore?

Monica: no la scultura sarà sempre apprezzata, certo sapere di essere dei dinosauri dispiace.

Cristian: io credo che l’anima del mondo sia come l’anima dell’uomo e l’uomo non puo’ vivere senza la bellezza; la scultura, la pittura e la poesia sono la bellezza… Le nuove tecniche? Senz’altro il mondo va avanti, tuttavia sento che il piacere di realizzare con le nostre mani non potrà mai tramontare.

  • Come vedete il futuro dell’arte scultorea?

Siamo Ottimisti…..ma dobbiamo lavorare sodo!

  • Com’è stata la vostra esperienza con Tablinum Cultural Management?

Bella esperienza che speriamo si possa ripetere anche in altre forme. Ringraziamo tutto il Team ed in particolare Elisa e Alessandro per la bella opportunità, siamo davvero contenti che il nostro sia una “affare tra giovani” e penso che dobbiamo dimostrare a tutti che l’arte “Non è (solo) un Paese per Vecchi”.

Elisa Larese

Intervista ad Antonietta Moschi: la scultura come espressione dello sguardo interiore dell’artista

Immagine3Tablinum: Può la scultura farsi riflesso di uno sguardo interiore che con grande sensibilità si approccia al mondo e ne reinterpreta la meraviglia cangiante? L’atto di scolpire nella sua accezione fortemente evocativa della possibilità di dare una forma plastica plasmata dall’incontro tra la bellezza del cosmo e le suggestioni della propria interiorità trova una felice espressione nell’opera di Antonietta Moschi.

Osservando le opere di Antonietta Moschi si è subito catturati dalla forte carica espressiva che le sue opere sanno trasmettere all’osservatore. Le sue sono sculture che ci invitano ad essere privilegiati spettatori di quel momento in cui il soggetto rappresentato si schiude a uno stato di perfetto equilibrio, fra verità interiore ed esteriore, in cui la coscienza dell’umanità sembra plasmata come la creta stessa. .

IMG00857-20141019-1716E’ stata invitata alla Biennale Internazionale dell’Arte Contemporanea di Firenze che si é svolta’ alla Fortezza da Basso, nell’autunno 2013. Attualmente collabora con il Maestro Mario Pachioli, presso lo studio di viale Milton, 49 a Firenze. Sta predisponendo una serie di lavori ispirati a varie tematiche nonché alcuni progetti relativi ad oggetti specifici quali: sculture a tuttotondo, bassorilievi, medaglie, monumenti, bronzi e grafica. Laureata in Medicina e Chirurgia, specializzata in Neuropsichiatria. Pur essendosi appassionata a questa attività professionale, ha sempre manifestato una spiccata predilezione per l’Espressione Artistica. Nonostante abbia vinto il concorso presso l’Accademia di Belle Arti a Firenze, non ha potuto proseguire la frequenza proprio a causa della sua professione di Medico. Ma questo, nel corso degli anni non ha mai impedito il contatto con tutto ciò che rappresenta lo spirito artistico con particolare riferimento alla pittura ed alla scultura. Attualmente, avendo limitato la sua attività professionale originaria si dedica con maggiore impegno di spazio e di tempo alla Scultura.

IMG00852-20141019-1711L’arte per Antonietta è, potremmo dire, una questione genetica: il suo albero genealogico può infatti vantare la presenza di numerosi artisti quali lo scultore monumentale Mario Moschi, e i membri della Famiglia Santelli esponenti della celebrata manifattura di Signa.

Ha partecipato a numerose collettive sia in Italia che all’Estero. E’stata invitata alla Biennale Internazionale dell’Arte Contemporanea di Firenze 2013 e ha esposto le sue opere in occasione  della mostra “Le Cinque Anime della Scultura” presso officinacento5 curata da Tablinum Cultural Management.

La tua formazione artistica si è affiancata a quella di medico psichiatra, come hai saputo far convivere questi due aspetti e quanto essi hanno trovato confluenza?

Sono due lavori complementari in quanto spesso le idee per le opere hanno preso spunto dalle relazioni terapeutiche con i pazienti.

Com’è nata e come si articolata nel tempo la tua collaborazione con il maestro Pachioli?

L’ insegnamento delle capacità tecniche mi ha permesso la realizzazione delle opere, durante questo percorso è nata una collaborazione e una stima reciproca.

Quale rapporto hai con la materia? Quali materiali prediligi?

Prediligo la creta perché attraverso le mani per me è possibile esprimere il pensiero e i sentimenti.

Se dovessi tu descrivermi quali sono le forze che guidano la tua mano…

L’ espressione fantastica del mio pensiero.

La tua scultura è stata spesso recensita come un’arte che torna al concetto classico di scultura in cui il figurativo è parte irrinunciabile di essa e in cui è preponderante la componente espressiva. Quale pensi sia l’utilità della scultura al giorno d’oggi e quali sentimenti debba andare a suscitare?

La scultura è la rappresentazione dei sentimenti dell’ artista, comunque l’arte in genere dovrebbe suscitare nello spettatore un sentimento di libertà, di leggerezza e di bellezza elevandolo a livelli culturali e simbolici più alti.

Sculture come Homo Quidam e il Vento della Giovinezza sono affascinati per la forte carica emotiva che sembrano evocare. Potresti raccontarci quali riflessioni si celano dietro la rielaborazione di questi soggetti?

Homo Quidam è un uomo qualunque con i suoi sentimenti ed i suoi conflitti che rappresentati attraverso la scultura vengono portati in una dimensione senza tempo.     Il vento della gioventù rappresenta l’ affacciarsi alla vita di una giovane ragazza, il vento nei capelli rappresenta la leggerezza dell’essere giovani e l’ espressione del volto rappresenta la profondità di pensiero e di sentimento.

Nella home page del tuo sito campeggia questa frase di Goethe: “Non c’è via più sicura per evadere dal mondo che l’Arte. Ma non c’è legame più sicuro con esso che l’Arte!” Dunque qual è il filo d’oro che ti lega la tua scultura al mondo?

L’ arte come la vita porta al continuo cambiamento, al sentimento di gioia e di libertà di espressione, al continuo evolversi perché nella vita tutto cambia e niente è uguale a prima.

Recentemente hai partecipato alla mostra “Le Cinque Anime della Scultura”, a Como, ci puoi descrivere come stata la tua esperienza con Tablinum Cultural Management?

Molto buona, molto professionale e con una buona empatia emotiva.

Elisa Larese